Contenu

• Pas
• Partie 1 sur 4: Sons, notes et gammes
• Partie 2 sur 4: Beats et rythme
• Partie 3 sur 4: Mélodie, harmonie et accords
• Partie 4 sur 4: Types d'instruments de musique
• Conseils

Les premiers instruments de musique - les flûtes en os - sont apparus il y a environ 35 000 ans, mais l'humanité aurait pu faire de la musique bien avant eux. Au fil du temps, la compréhension de la musique est devenue de plus en plus profonde. Bien que pour créer de la musique, il ne soit pas nécessaire de bien connaître la théorie des gammes, du rythme, de la mélodie et de l'harmonie, néanmoins, certaines connaissances dans ce domaine vous aideront à créer une musique de meilleure qualité.

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Partie 1 sur 4: Sons, notes et gammes

1. 1 Comprenez la différence entre « hauteur » et « note ». Ces termes sont utilisés pour décrire les qualités des sons musicaux. Ils sont liés mais présentent quelques différences.
   • La hauteur fait référence à la gravité ou à l'aigu d'un son, en fonction de sa fréquence. Plus la fréquence est élevée, plus le son est élevé. La différence de fréquence entre des sons de hauteurs différentes s'appelle un intervalle.
   • Une note désigne un son d'une certaine fréquence. La fréquence standard pour la première octave A (A) est de 440 Hz, bien que certains orchestres utilisent une norme différente, telle que 443 Hz, pour obtenir un son plus brillant.
   • La plupart des gens peuvent dire si une note est correcte lorsqu'une autre note est jouée avec elle, ou une série de notes d'une composition qu'ils connaissent. C'est ce qu'on appelle "l'audition relative". Un petit nombre de personnes ont développé une « hauteur parfaite », qui vous permet de déterminer la hauteur sans entendre un autre son.
2. 2 Comprenez la différence entre "timbre" et "ton". Ces termes sont couramment utilisés en relation avec les instruments de musique.
   • Le timbre fait référence à la combinaison de la hauteur standard et des harmoniques qui apparaissent lorsque vous jouez une note sur un instrument de musique. Si vous prenez la corde de mi grave (mi) sur une guitare acoustique, en fait, vous entendrez non seulement la note de mi grave (mi), mais aussi des harmoniques supplémentaires plus hautes que la note standard. C'est la combinaison de ces sons, également appelés harmoniques, qui rend chaque instrument unique.
   • Le ton est un terme plus abstrait. Il dénote l'effet qu'une combinaison de hauteur standard et d'harmoniques a sur l'audition d'une personne. L'ajout d'harmoniques supérieures au timbre donnera un son plus brillant et plus clair, tandis que les harmoniques inférieures donneront un son plus doux.
   • Une tonalité est aussi appelée l'intervalle entre deux sons de hauteurs différentes (tonalité entière).La moitié de cet intervalle s'appelle un demi-ton.
3. 3 Apprenez les noms des notes. Les notes peuvent être nommées de plusieurs manières. En Occident, deux méthodes sont les plus courantes.
   • Noms alphabétiques : Des noms alphabétiques sont attribués aux notes avec une certaine fréquence. Dans les pays anglophones et danois, ce sont les lettres A à G. Dans les pays germanophones, la lettre B représente la note si bémol, ou si bémol (la touche noire du piano entre les notes A et B), et la lettre H est utilisée pour désigner la note B, ou B (une touche blanche sur un piano avec une note B).
   • Solfège : Dans ce système, les notes ont des noms monosyllabiques selon leur séquence dans la gamme. Le système a été développé au XIe siècle par le moine Guido d'Arezzo, qui utilisait « ut, re, mi, fa, sol, la, si » tirés des premiers mots de chaque vers de l'hymne à Jean-Baptiste. Au fil du temps, « ut » a été remplacé par « do », et certains « sel » ont été raccourcis en « so » (dans certaines parties du monde, le solfège est le système principal pour nommer les notes).
4. 4 Comprendre les notes de la gamme. Un gamma est une séquence d'intervalles lorsque le son le plus élevé d'une gamme a une fréquence deux fois supérieure à celle du plus faible. Cette plage s'appelle une octave. Certaines échelles courantes sont :
   • La gamme chromatique a 12 intervalles de demi-tons. Jouer une octave au piano, en partant de la note "Do" de la première octave jusqu'à la note "Do" de la deuxième octave, c'est-à-dire en appuyant successivement sur toutes les touches blanches et noires, dénote la gamme chromatique. D'autres échelles sont plus dépouillées que celle-ci.
   • La gamme majeure a sept intervalles : le premier et le deuxième sont des tons entiers ; le troisième est un demi-ton ; les quatrième, cinquième et sixième - en tons entiers; le septième intervalle est un demi-ton. Jouer une octave au piano de la note C de la première octave à la note C de la deuxième octave, en utilisant uniquement des touches blanches, est un exemple de gamme majeure.
   • La gamme mineure a également sept intervalles. La forme la plus courante est la gamme mineure naturelle. Le premier intervalle est un ton entier, le deuxième est un demi-ton, le troisième et le quatrième sont des tons entiers, le cinquième est un demi-ton, les sixième et septième sont des tons entiers. Jouer une octave au piano d'un A dans une octave mineure à un A dans une première octave, en utilisant uniquement des touches blanches, est un exemple d'une gamme mineure naturelle.
   • L'échelle de l'échelle pentatonique a cinq intervalles. Le premier intervalle est un ton entier, le deuxième est trois demi-tons, le troisième et le quatrième sont un ton entier chacun, le cinquième est trois demi-tons. Dans la tonalité de C (C), les notes pentatoniques seront C (C), D (D), F (F), G (G), A (A) et à nouveau C (C). Vous pouvez également jouer la gamme pentatonique en utilisant uniquement les touches noires du piano, entre la première et la troisième octave. La gamme pentatonique est utilisée dans la musique africaine, la musique d'Asie de l'Est et indienne et la musique folklorique.
   • La toute première note de la gamme s'appelle la tonique. Habituellement, les chansons sont écrites de manière à ce que la tonique soit la dernière note de la chanson. Une chanson écrite dans la tonalité de C se termine presque toujours par une note de C. Souvent, il est indiqué à côté d'une note si la tonalité est majeure ou mineure ; si elle n'est pas spécifiée, la tonalité est considérée comme majeure.
5. 5 Utilisez dièse et bémol pour augmenter ou diminuer les notes. Les dièses et les bémols élèvent ou abaissent une note d'un demi-ton. Ils sont nécessaires pour jouer dans des tonalités autres que do majeur et la mineur et pour garder les intervalles corrects. Les dièses et les bémols sont indiqués à côté des notes sur la notation musicale et sont appelés signes d'altération.
   • Un signe dièse (similaire à un hashtag - #) à côté d'une note l'augmente d'un demi-ton. Dans les tonalités sol majeur et mi mineur (sol majeur et mi mineur), la note F (F) est élevée d'un demi-ton et est fa dièse.
   • Un signe plat (semblable à une lettre majuscule anglaise 'b') à côté d'une note l'abaisse d'un demi-ton. Dans les touches fa majeur et ré mineur (fa majeur et ré mineur), la note si (si) est abaissée d'un demi-ton et correspond à la note si bémol.
   • Pour plus de commodité, les notes à abaisser ou à élever dans une tonalité particulière sont indiquées au début de chaque ligne de la notation musicale. Dans ce cas, les signes d'altération ne doivent être utilisés que pour les notes en dehors de la tonalité majeure ou mineure dans laquelle la chanson est écrite. Ces marques d'altération ne seront appliquées qu'à des notes individuelles dans une mesure.
   • Un signe bekar (ressemble à un parallélogramme vertical avec des lignes montant et descendant à partir de ses deux sommets), situé à côté d'une note, signifie que cette note ne doit pas être élevée ou abaissée dans cette section de la chanson. Bekar n'est jamais utilisé au début d'une notation musicale avec d'autres signes d'altération, mais il peut être utilisé pour annuler les dièses et les bémols dans une mesure.

Partie 2 sur 4: Beats et rythme

1. 1 Comprenez la différence entre le rythme, le rythme et le tempo. Ces termes sont également liés.
   • Beat (beat) est un terme qui caractérise la pulsation de la musique. Un battement peut être soit une note sonore, soit un morceau de silence appelé pause. De plus, plusieurs notes peuvent retentir pendant un temps, et vice versa - une note ou une pause peut durer plusieurs temps.
   • Le rythme est une série de battements et de pulsations. Le rythme est déterminé par l'emplacement des notes et des silences dans la chanson.
   • Le tempo est la vitesse à laquelle la chanson est jouée. Plus le tempo est rapide, plus il y a de battements par minute. La chanson "The Blue Danube Waltz" a un tempo lent, tandis que "The Stars and Stripes Forever" a un tempo rapide.
2. 2 Un ensemble de battements dans les mesures. Une barre est une collection de beats. Chaque mesure a un nombre égal de temps. Le nombre de temps dans chaque mesure de la chanson est indiqué au début de la portée de la portée, indiquant la signature rythmique, qui ressemble à une fraction sans barre séparant le numérateur et le dénominateur.
   • Le chiffre du haut indique le nombre de temps par mesure. Habituellement, ce nombre est 2, 3 ou 4, mais il peut être 6 ou plus.
   • Le numéro du bas indique quelle note est reçue en un temps entier. Si le nombre inférieur est 4, une noire est prise en un temps (ressemble à un ovale rempli avec une ligne verticale). Si le nombre inférieur est 2, une blanche est reçue en un temps (ressemble à un ovale ouvert avec une ligne verticale). Si le nombre inférieur est 8, une croche est reçue en un temps (ressemble à une noire avec un drapeau).
3. 3 Trouvez un rythme fort. Le rythme est déterminé par quels battements (battements) dans une mesure sont forts (accentués) et faibles (non accentués).
   • Dans la plupart des chansons, le premier temps (temps) est le temps fort ou le temps accentué. Les temps restants (temps) ne sont pas accentués, bien que dans une mesure à quatre temps, le troisième temps puisse également être accentué, mais son accent sera plus faible que le premier temps.
   • Parfois, en musique, les temps faibles sont accentués au lieu des forts. C'est ce qu'on appelle la syncope ; dans ce cas, on dit que l'accent est mis sur le temps faible.

Partie 3 sur 4: Mélodie, harmonie et accords

1. 1 Identifiez la chanson par la mélodie. Une mélodie est une séquence de notes de hauteurs différentes, sonnant à un certain rythme, qu'une personne perçoit comme une composition intégrale.
   • La mélodie se compose de phrases arrangées en mesures. Ces phrases peuvent être répétées tout au long de la mélodie, comme dans la chanson de Noël « Deck the Halls », dans laquelle les première et deuxième lignes ont la même séquence de notes dans les mesures.
   • Le plus souvent, les chansons utilisent la structure suivante : une mélodie accompagne le couplet et une autre mélodie qui lui est associée accompagne le refrain.
2. 2 Ajoutez de l'harmonie à la mélodie. L'harmonie est le jeu de notes qui sont en dehors de la mélodie actuelle afin de rendre le son plus brillant et plus contrasté. Comme indiqué ci-dessus, de nombreux instruments à cordes peuvent produire des sons différents lorsqu'ils sont ramassés ; les harmoniques sonnant avec le ton principal sont l'une des formes d'harmonie. L'harmonie peut être obtenue en jouant diverses phrases et accords musicaux.
   • L'harmonie qui améliore le son d'une mélodie est appelée consonne.Les harmoniques qui résonnent avec la fondamentale lors de la prise des cordes à la guitare sont un exemple d'harmonie consonante.
   • L'harmonie qui contraste avec la mélodie est appelée dissonante. Une harmonie dissonante peut être obtenue en jouant des mélodies contrastées, comme dans le cas de la chanson « Row Row Row Your Boat », lorsque différents groupes de personnes commencent à chanter la phrase ci-dessus à des moments différents.
   • De nombreuses chansons utilisent la dissonance pour exprimer des sentiments vagues et progresser davantage vers l'harmonie consonante. Comme dans l'exemple de « Row Row Row Your Boat », une fois que chaque groupe a fini de chanter un couplet, la chanson devient plus calme jusqu'à ce que le dernier groupe chante « Life is but a dream ».
3. 3 Regroupez les notes en accords. Un accord est composé de trois notes ou plus qui sonnent simultanément ou non simultanément.
   • Les accords les plus couramment utilisés sont les triades (trois notes), dans lesquelles chaque note suivante est à deux notes de la précédente. Dans un accord C majeur, les notes de l'accord seront C (tonique), E (tiers majeur), G (cinquième). Dans un accord de do mineur, la note de mi sera remplacée par la note de mi bémol (tierce mineure).
   • Un autre accord couramment utilisé est l'accord de septième, dans lequel une quatrième note est ajoutée à la triade, la septième à partir de la racine. Dans le septième accord en ut majeur, la note B est ajoutée à la triade C-E-G, ce qui donne une séquence C-E-G-B. Les accords de septa sont plus dissonants que les triades.
   • Vous pouvez utiliser un accord différent pour chaque note d'un morceau ; ainsi, l'harmonie dite "coiffure" est créée. Le plus souvent, cependant, les notes d'un accord donné sont jouées en accords, par exemple en jouant un accord de do majeur pour jouer les notes de mi.
   • De nombreuses chansons ont trois accords, dont la racine est la première, la quatrième et la cinquième note de la gamme. Dans ce cas, les chiffres romains I, IV et V sont utilisés. Dans la tonalité de do majeur, ces accords seront do majeur, fa majeur et sol majeur. Souvent, un accord de V majeur ou mineur est remplacé par un accord de septième; ainsi, dans la tonalité de do majeur, l'accord de V serait le septième en sol majeur.
   • Les accords I, IV et V sont liés à la clé. L'accord de fa majeur est l'accord IV dans la clé de do majeur, et l'accord de do majeur est à son tour l'accord de V dans la clé de fa majeur. En outre, un accord de sol majeur est un accord de V dans la tonalité de do majeur et un accord de do majeur est un accord de IV dans la tonalité de sol majeur. Ces relations s'appliquent également à d'autres accords et sont représentées dans un diagramme appelé le cinquième cercle.

Partie 4 sur 4: Types d'instruments de musique

1. 1 Instruments de percussion. Ce type d'instrument est considéré comme l'un des plus anciens. La plupart sont conçus pour créer et maintenir le rythme, bien que certains puissent jouer une mélodie ou créer une harmonie.
   • Les instruments à percussion qui créent un son en raison de la vibration de leur structure sont appelés idiphones. Cela inclut les instruments qui créent un son en se frappant contre eux-mêmes, tels que les cymbales et les castagnettes, ainsi que ceux qui créent un son en frappant d'autres objets, tels que les tambours en acier, les triangles et les xylophones.
   • Les instruments à percussion revêtus qui vibrent lors de l'impact sont appelés membranophones. Cela inclut les tambours tels que les timbales, les tam-tams et les bongos, ainsi que les instruments qui ont une corde ou un bâton attaché à la membrane qui vibre au contact, comme un kuika.
2. 2 Instruments à vent. Les instruments à vent créent du son en raison de la vibration qui se produit lorsqu'ils sont soufflés. La plupart ont des trous de pitch-bend afin qu'ils puissent jouer des mélodies et des harmonies. Les instruments à vent sont divisés en deux types : les flûtes, qui créent un son en faisant vibrer l'ensemble de l'instrument, et les flûtes à anche, qui contiennent un matériau vibrant. À leur tour, ils sont divisés en deux sous-types.
   • Les flûtes ouvertes créent un son en divisant le flux d'air contre le bord de l'instrument. Les flûtes de concert et les flûtes sont de ce type.
   • Des flûtes fermées canalisent l'air à travers un canal à l'intérieur de l'instrument pour le séparer et créer des vibrations. Les tuyaux d'orgue appartiennent à ce type.
   • Dans les instruments à anche simple, cette anche est logée dans le bec. Lorsqu'elle est soufflée dedans, la canne fait vibrer l'air à l'intérieur de l'instrument et crée un son. La clarinette et le saxophone sont des exemples d'instruments à anche simple. (Bien que le corps du saxophone soit en cuivre, il est considéré comme un instrument à vent car il utilise une canne pour créer le son.)
   • Les instruments à double canne utilisent deux cannes à anche étroitement reliées l'une à l'autre à une extrémité. Sur des instruments tels que le hautbois et le basson, cette anche double doit être entre les lèvres du musicien, tandis que sur les cornemuses et les krumhorns, cette anche double est sous le couvercle.
3. 3 Cuivres. Contrairement aux instruments à vent, qui ne font que diriger le flux d'air, les cuivres vibrent avec les mouvements des lèvres du musicien pour créer un son. De tels instruments sont appelés cuivre car la plupart d'entre eux sont en cuivre ; mais en dehors de cela, ils sont également divisés en sous-espèces, en fonction de leur capacité à modifier le son en raison du changement de la distance que l'air doit parcourir avant de sortir. Ceci peut être réalisé de deux manières.
   • Les trombones utilisent un rideau pour modifier la distance que l'air doit parcourir avant de sortir. Lorsque le rideau est déployé, la distance augmente, abaissant le ton, et lorsqu'il rentre, la distance diminue, augmentant le ton.
   • D'autres cuivres, tels que la trompette et le tuba, utilisent un ensemble de valves pour dilater ou contracter le flux d'air à l'intérieur de l'instrument. Ces valves peuvent être pressées individuellement ou ensemble pour obtenir le son que vous souhaitez.
   • Les bois et les cuivres sont souvent appelés simplement instruments à vent, car ils doivent être soufflés pour créer de la musique.
4. 4 Instruments à cordes. Les cordes des instruments à cordes peuvent être jouées de trois manières différentes : en pinçant (guitare), en frappant (dulzimer ou marteaux sur un piano), ou en s'inclinant (violon ou violoncelle). Les instruments à cordes peuvent être utilisés à la fois pour l'accompagnement rythmique et mélodique et peuvent être divisés en trois catégories :
   • Le luth est un instrument à cordes avec un corps résonnant, comme le violon, la guitare et le banjo. Les cordes sont de la même longueur (à l'exception de la corde du bas sur un banjo à cinq cordes) et varient en épaisseur. Des cordes plus épaisses produisent un ton grave, tandis que des cordes plus fines produisent un ton aigu. Les cordes sont pressées dans des endroits spéciaux appelés frettes, ce qui raccourcit leur longueur et leur permet d'atteindre différentes hauteurs.
   • La harpe est un instrument à cordes dont les cordes sont placées dans un cadre spécial. Les cordes de la harpe sont en position verticale et ont des longueurs différentes, et l'extrémité inférieure de chaque corde est reliée au corps de résonance (pont) de l'instrument.
   • La cithare est un instrument à cordes avec un corps plat de forme irrégulière. Les cordes de la cithare peuvent être tirées ou accrochées, des frappes directes et indirectes peuvent être faites, comme sur un dulcimer ou un piano.

Conseils

• Les gammes naturelles majeures et mineures sont liées de manière à ce que la gamme mineure de la clé soit inférieure de deux notes à la gamme majeure avec les mêmes notes relevées ou abaissées. Ainsi, les touches en do majeur et en la mineur, qui n'ont pas de dièses et de bémols, ont le même jeu de notes.
• Certains instruments, ou groupes d'instruments, sont associés à certains styles de musique. Par exemple, les quatuors à cordes composés de deux violons, alto et violoncelle, sont généralement joués dans un genre de musique classique appelé musique de chambre. Les groupes de jazz ont généralement une section rythmique, composée de batterie, de claviers, parfois de contrebasse et de tuba, et une section de cuivres, composée de trompettes, trombones, clarinettes et saxophones.Parfois, il est intéressant de jouer des chansons sur d'autres instruments que ceux pour lesquels la pièce a été écrite. Un exemple de ceci est "Strange Al" Jankovic, qui joue des chansons rock célèbres de style polka à l'accordéon.